Two Cities

(English follows)

 

ロンドンと東京、私にとって大切な2つの街。

渋谷の交差点に立てば学生時代を思い出して懐かしくなるし、夜のビッグベンのあたたかいオレンジ色を見れば、留学中にこの明かりに癒されたことを思い出す。東京ではごく当たり前に通り過ぎていたネオン、電車、コンビニ、自販機、そんなものが、ロンドンに住んでみてからは、近未来映画のセットのように観えるようになった。視点というのは、離れる程、全体像がつかめて新鮮な感覚を持つ事が出来る。海外から日本を観てみると、良いところばかり浮き彫りになってくる。そして日本がどんどん好きになる。

そこでたどり着いたミュージックビデオのアイディアは、私にとって大切なそんな2つの街をテーマに映像を作るという事だった。

Tokyo and London are the two cities that define who I am. When I stand on the Shibuya crossing, where I used to pass by everyday as a student at a nearby school, I feel a sense of reminiscence. When I see the warm orange light of Big Ben in the evening, I feel a sense of comfort, the same feeling I got when I was an art student, living on my own for the first time at 18. The neon, trains, convenience stores, vending machines of Tokyo all remind me of a futuristic movie set. The further you go, the better perspective you get with refreshing viewpoint. That’s how Japan becomes more and more attractive for me over the years of living abroad.

Those thoughts lead to an idea of making a music video of these two incredible cities.

2つの街をどこでもドアで行ったり来たりすること。簡単ではないこの企画だが、とても幸いなことに、協力してくださる日本のプロダクションとのご縁があった。わざわざロンドンまで飛んでいただき、学生の自主制作映画のように、最小人数でロンドンの隅から隅まで魅力的な絵を求めて歩き回り、その後は私が日本に戻って同じように日本の魅力を追求してシーンを探っていった。観光ショットにならないように気をつけながら、絶妙なローカル感のあるスポットを見つけていった。

何度も書いている事だが、イギリスでは日本の良さを伝えるだけでなく、日本人のクリエイターを紹介するきっかけもつくっていきたい。今回は、そんな素晴らしい映像クリエイターチームと作品が創れて本当に光栄だ。

It wasn’t easy to make a video transition from one city to another. Luckily, I found an amazing production team that agreed to support this project, who traveled all the way to the UK, walking endlessly around London to capture a local spot so that the video wouldn’t look like a tourist movie. Then it was my turn to go back to Japan and do the same.

As much as I want to present myself as an artist outside Japan, I also want to introduce many wonderful talents of Japan along with my music. In that sense, I feel truly pleased to have worked with this talented production team.

Observation of the Grammys 2017 (as a Japanese artist)

It’s every artists’ s dream to win the Grammy. Of course, it’s one of my aspirations as well; to win in the Best Contemporary Urban World Music written in two or more languages category, or something like that (I always like to scroll down to see the really niche categories).

In Japan, not many artists aspire to the Grammys. The popular dreams they have are to play at Budokan(a prestigious venue), or to perform in Kohaku (Annual music TV show on New Year’s Eve). For those Japanese artists who actually do aspire to the Grammys, what drives the aspiration is to be the pioneer—Japanese are such minorities when it comes to being successful outside Japan. (Which leads to the whole story of me and my husband moving to the U.K to pursue exactly that) To set the records straight, there ARE Japanese artists that have won the Grammys in the past, but not as a singer-songwriter. This year, pianist Mitsuko Uchida won as an accompanist, and producer StarRo and Ryuichi Sakamoto(for his Revenant soundtrack)were nominated.

日本のアーティストに将来の目標を聞けば、たいがい武道館や紅白などといった言葉が出て来る。グラミー賞が夢というアーティストももちろんいるが、それを目指す理由は、海外でグラミー賞というまでの認知度で活躍する日本人アーティストがあまりにも少ない中、先駆者になりたいという野望があるからではないだろうか。私もまさにその開拓精神で、旦那さんぐるみでイギリス移住してきた。もちろん過去に日本人のグラミー賞受賞者はいらっしゃるし、今年はピアニスト内田光子さんの伴奏者としての受賞やstarRoさん、坂本龍一さんのノミネートもあった。しかし過去のノミネート、受賞者の中で日本人シンガーソングライターはまだ一人もいない。

Putting that successful-Japanese-artists-are-a-minority issue(NOT political)aside, this is what I thought about this year’s Grammys. I’m no music journalist, just someone in front of a TV watching the show in Surrey blogging her mind;

Adele’s voice. Listening to her performance, I almost forget how the song went,or even the how the pitch was,  all I’m left with is this richness of voice melting in my ears. It’s like how when you meet a truly attractive person(male or female), you don’t even remember what they were wearing, just overwhelmed by their presence and personality.

そんな「海外の第一線で活躍する日本人シンガーソングライターが少なすぎる問題」はさておき、一視聴者として今年のグラミーショーの感想を書いていきたい。

まずはアデルの声。耳に染み渡る贅沢な声。今歌ったのどんな曲だったっけ、とか、ピッチがどうのとか、どうでもよくなってしまうこの感覚。たとえばとても魅力な人(男女問わず)に会った後、その人の印象に圧倒されすぎて、その人がどんな服を着ていたかなど忘れてしまう感覚。

The past few decades, especially the 70’s and the 80’s have left so much innovative music to be remixed in this generation. So rich that even in 2017, nearly all of the songs you hear on the show are recycled essence of those eras; Michael Jackson’s daughter presenting the Weekend, Daft Punk,  Katy Perry with Bob Marley’s son, Bruno Mars…all of them are brilliant artists, but all I heard was reminiscence, nothing innovative at all.

That’s why I get so inspired when I hear a great voice; a voice is timeless, regardless of any generation or era. Adele, Beyoncé, rappers like ATCQ and Chance the Rapper, I love the raw energy of his voice purely praising the Lord. It’s everything singing stands for.

70、80年代は音楽のイノベーションに溢れていたが、ここ数十年は、それらをリサイクル品ばかりが出回っている。今年のグラミー賞のパフォーマンスでも、マイケルジャクソンの娘に紹介されたザ・ウィークエンド、ダフトパンク、ケイティーペリーとボブマーリーの息子、ブルーノマーズ、、どのアーティストも素晴らしいが、あたらしさは何もない。

だからこそ、唯一無二の声に感銘を受ける。声は年代関係ない。アデル、ビヨンセ、トライブ、、チャンス・ザ・ラッパーのまっすぐに神を讃えるゴスペルのエネルギーなんて、歌うことの真髄を表現している。

In a time when music styles are being over-remixed, maybe now is a time to get raw. To tell the story of your own, in a one and only voice, as simple as that.

I went through so many phases in terms of music style, even in just a year of moving to the U.K. But now I’m settling down to simply writing autobiographical songs, from a unique angle, with production that most compliments my voice. I don’t have a diva voice like Adele or Beyoncé, but I’m grateful for my own voice that God gave me, and am determined to make the most of the gift.

音楽のスタイルやジャンルが使い古されている今の時代だからこそ、原点に戻るべきなのかもしれない。自分のストーリーを、自分の声で伝える。誰にも真似できないもの。 イギリスに来てからのたった一年でもたくさんの音楽的スタイルを模索して来たが、今その原点をやっと見つけられた気がする。アデルやビヨンセのようなdiva声はないけれど、持っている声は他の誰にも真似できない。その神様からの贈り物を、最大限に生かすのみだ。

 

Eras of Songwriting Style

A songwriting style is constantly evolving for an artist. It’s almost like a fancier version of a diary, so it might be a bit embarrassing to look back at what was written years ago. That’s why whenever I’m asked what my own favourite song is, I always answer, “the most recent song I had written”.

アーティストにとって、曲作りのスタイルは常に進化している。作る曲は、日記に気取った毛がはえたような存在なので、昔の曲を聴いてこっぱずかしくなることもよくある。だから、自分が作って来た中でどの曲が一番好きかと聞かれれば、必ず「一番最近作った曲」と答える。

I have a theory that for most artists, songwriting styles go through certain stages and eras, that resembles a child growing up. Believe me, having released ten albums, I have gone through all of these stages;

持論だが、多くのアーティストにとって、曲作りのスタイルはとある段階を辿って進化していく。それは子供が成長する過程に似ている。10枚のアルバムをリリースして来た筆者にとって、この過程は身をもって体験したものである。

1.The Innocent Era-This is when you start songwriting for the first time. Obviously, this is the most innocent and pure stage. No pretentious gimmicks, simple and honest yet powerful. That’s why, in a certain way, there’s no greater album than a first album for any artist. The most amazing first albums are filled with articulate and sage words beyond the artist’s young age, because the songs have a pure spiritual energy; after all, songwriting or any art is to be oblivious to ego, and be the pure medium to deliver the words and melody floating somewhere in that euphoric realm where people like Mozart and John Lennon would be sunbathing.

①純朴な時代−初めて曲作りを始めるとき。当然ながら、一番純朴な姿だ。わざとらしさもなく、シンプルで素直、かつ力強い。だからこそ、ある意味、どのアーティストにもファーストアルバムを超えるものは二度と作れない。中でも素晴らしいファーストアルバムは、作り手の若い年齢に関わらず賢く卓越した言葉にあふれている。それは、曲たちに霊的な力が宿っているからだ。曲作りに限らずどんな芸術も、アーティスト自身がエゴを捨てて純粋な媒体となり、モーツアルトやジョンレノンが恍惚と日光浴をしているような異次元の世界の空気を作品に吹き込むことなのだ。

2.The Eager to Please Era-The difference with the first album and the second is that the artist is influenced by feedback and expectation for the next work. You get a certain pressure, both to reproduce the similar quality as the first album, but also to make something new to show progression. It’s a tricky balance, because if you’re too same-y, you would bore the audience, but you also wouldn’t want to put them off with a drastic change. It’s also the era of dilemma between the ‘pure spiritual energy’ and the vulgarity of the human realm such as ‘selling albums’ and ‘radio-friendly songs'(In Japan, there was also a term ‘karaoke-friendly songs’). You try to reference songs that are already popular, analyze chords and song structures, start working with producers who have the ‘current’ sound. It’s like a teenage girl who tries a look that doesn’t suit her to impress her crush, who, typically, isn’t even right for her.

②媚び売り時代−ファーストアルバムと2枚目のアルバムの違いは、前作へのフィードバックと、次作への期待があるということだ。そのプレッシャーは、引き続き同じクオリティーの作品を作ることと、進歩を見せることの両方だ。このバランスは難しい。同じすぎればリスナーに飽きられるし、かといって激変しすぎても引かれてしまう。また、純朴時代の霊的な力と、俗世間の煩悩(「売上枚数」、「ラジオ受け」、日本では「カラオケ受け」などの言葉)が葛藤し合う時期でもある。流行りの曲を参考にしてみたり、コードや構成を分析してみたり、売れっ子のプロデューサーと制作してみたり。まるで10代の女の子が、好きな男の子を振り向かせたくて似合わないメイクや服に身を包むようなものだ。しかもたいてい、その男の子はその子にふさわしくない見当違いな場合が多い。

3.The Rebellious Era-After trying so hard to please the listeners and balancing your initial style vs. innovation, you get somewhat tired. Up to a point where you’d say, “The hell with it, let me do whatever the fuck I want”. It could either end up as an amazingly cutting-edge album or something masturbatory that no one else can’t really understand. This is another teenage stage, the attitude turned to parents and teachers; On the contrary to the previous era, you want to do everything opposite of what they would expect you to do.

③反抗期-聴き手に媚を売るかのように色々な手法を試してみて、初心とイノベーションとの間でもがいた後、どっと疲れが出てくる。そして、もう何も気にせず好きなことやってやる、という気になるのだ。この時代にできた作品は素晴らしく前衛的なものにも、難解な自己満足な作品にもなりうる。これもまた10代の頃のような、先生や親から期待されることの真逆をしてやろうという態度と似ている。

4.The Reminiscent Era- This completes a cycle, only its not a repeat, but an elevation like spiral stairs going up. You look back at the stages you’ve been through and realize how valuable that innocent era was. Growing out of the teenage phase and learning to appreciate the lessons. You’re not obsessed with trying to make hits, but going back to making something that’s purely you. It’s a bit sad to think that even though you have completed a cycle(of different stages in songwriting), you can never go back to that first pure stage. You’ll struggle for a chance to see(hear) a glimpse of that spiritual melody realm, but that moment would come once in a while, as if a curtain blown by the wind briefly shows an outside view, if you keep writing and listening to the good quality music-just like how an athlete would train for years and years.

④懐古時代-ここでひとつの周期が完結する。しかしこのサイクルは決して繰り返しではなく、スパイラルの階段のように上に登っていく。同じことの繰り返しと思えることも、実は一周するごとに少しずつレベルアップしているのだ。今までの段階を振り返り、純朴時代がいかに素晴らしかったかに気づく。10代の反抗期を卒業して、学んできたことに感謝をする時期。売れる曲を作ろうという焦りもなく、純粋に自分らしいものを作ることに集中できる。曲作りの段階を一周したとはいえ、決して初めて曲作りをしたときの自分には戻れないことは少し切ない。あの頃頻繁に訪れていた、「美しい音楽が溢れる異次元の世界」へのアクセスはそう簡単ではなくなる。その代わりに、アスリートのような鍛錬が欠かせなくなる。曲を作り続けること。素晴らしい音楽を聴き続けること。そんな積み重ねで、ふとしたタイミングで、その異次元の世界が、カーテンが風に揺れる窓越しに、姿を見せるのだ。

So after going through all these eras, if you’re a young songwriter who want to make a living out of music, you might be asking,

“Then what am I supposed to do?”

If you only want to be commercially successful, you could stay in the Eager to Please Era; there’re so many successful songwriters who keep on producing hit songs, and being part of the industry machine can be truly fulfilling. You stand at a crossroads; one road leads to entertainment, the other leads to artistic integrity.  The road to entertainment is much better paved and a smooth ride, only it could be a long journey. But who knows, you might one day find yourself wondering off the beaten track ending up in spiritual melody realm after all.

このブログの読者の方の中に、将来ソングライターとして成功したいとお考えの方がいるとして、ここまで読まれて「で、どうすればいいの?」という疑問が浮かんでくるかもしれない。

商業的に成功したいなら、『媚売り時代』にとどまることだ。流行の音を巧みに量産して成功している素晴らしい作家さんはたくさんいるし、音楽産業の一部としてやり甲斐のある仕事だ。分かれ道に立ったとして、ひとつの道はエンターテイメントに、もうひとつの道は芸術的本質へと続いているとする。エンターテイメントの道はきちんと舗装されていてスムーズだが、ヒット曲を生み出すまでは長い道のりかもしれない。だけどその道を選んでも、もしかしたらいつの日か脇道に迷い込んで、気づいたら「美しい音楽が溢れる異次元の世界」にたどり着くかもしれない。

 

 

 

 

Japanese Artist in the UK

(日本語に続く)

In the beginning of my music venture in the U.K, I came across a music lawyer who said

“No way you can succeed as a recording artist in the U.K; being a successful songwriter is already like climbing a steep mountain, but being a successful artist on your own right is like climbing up a cliff.”

He might have been practical, but those things only fire me up to prove him wrong.

During the 10+years working with labels, managements, and publishers in Japan, I’ve learned that (at least in Japan)the industry runs like a well made machine. Working as a songwriter is like being one of the essential parts of the machine, and making a hit would surely be a great fulfillment.

As a self-proclaimed artist, the dilemma between making something that you really want(to make)and something that has larger demand is unavoidable. Making a song based on an established model is the typical form of ‘industry’.

Isn’t art supposed to rebel to that very concept? This is another unavoidable question that I ask my self every single day. I can never say yes to that because as much as I want to make something outstanding, I want to deliver it to as many people as possible.

What I had been doing since I moved to the U.K to pursue my career in music (while all my friends were busy having babies and buying family homes), was relentlessly writing new songs, collecting insights from music industry people, collaborating with local producers, and simply living as a Japanese in a middle-class-white-people-with-pushchairs-and-dogs-dominated countryside town outside London.

That really changed my songwriting style. I began to write about my life, exactly how it is, without trying to appeal to the audience nor to hide honesty. It became clear to me that authenticity is the most unique and strongest viewpoint as an artist, even without trying to think of what has the biggest demand or what would appeal to most people.

Another aspect to consider is the sound; production can really make or break the song. I have so much faith in the creators I work with in Japan, and the aim is to introduce those talents to the U.K. Market as well.

But what I had come to realize was something unexpected. As a country that has spawned generations of multi-cultural artistry and music, I thought the U.K. Music scene would be more accepting to new sound…but all of the reactions suggested that my songs should have a clear sense of genre to suite a familiar format.(i.e. Radio stations)

Each radio stations here have a distinct genre and target demographics, whereas in Japan, a radio station is more based on an area/city (like Tokyo FM, FM Osaka) and the genre of music depends on each programme.

Familiarity might be a key to the British music culture, just like reggae and ska became more prevalent through ska-punk; you can introduce something new by combining a familiar element to the sound.

 

イギリスでの音楽活動の模索の始まりは、音楽弁護士のひとことへの反発だった。
「イギリスでアーティストとして成功したいなんて、無謀。
作家として音楽出版社と繋がり、楽曲提供できるようになるのは大きな山を登るようなことだが、レコーディングアーティストとして成功するのは断崖絶壁を登るようなことだ」と。

彼は現実的なことを言っていただけかもしれない。

作家として活動することは、大きな音楽産業の一部品として働くことだ。
優秀な作家はたくさんいるし、ヒットが生まれればとてもやり甲斐のある仕事だ。

作り手にとって、
求められているもの、需要があるもの
と自分が作りたいもの
とのギャップは避けて通れない葛藤だが、既に流行っているものをモデルにして、あえて需要があるものを作るのはまさに産業の典型だ。
芸術はそういうものにたいする反逆なのではないかと、アーティストのめんどくさいエゴの塊が主張しつつも、せっかく世に送り出すものだから、より多くの人に聴いてもらいたいというのも確かだ。

同世代の友人たちが子育てやマイホームの購入で忙しくしている中、イギリスに引っ越してきてからしてきたことは、ひたすら曲作り、音楽関係の人たちから話を聞くこと、現地のプロデューサーとセッションしてみたり、そしてロンドン郊外の中流階級白人たちがバギーと犬を引き連れるような長閑な田舎町で、日本人として生活することだった。

そんな生活の中で、曲作りのスタイルがかなり変わってきた。
背伸びしていた部分が等身大になり、内気に隠していたものが前に出てきた。誰に聴いてもらうとか以前に、ありのままを見せることが、何よりものオリジナリティだということに気づいたのだ。

曲にとって大切なのは、サウンドだ。アレンジによって、曲が活きてくることもあるし、台無しになることもある。日本で一緒に制作しているチームには絶大な信頼をおいていて、彼らの才能を紹介することは一つの目標だ。

しかし実際にこちらに来て、予想外の事実を目の当たりにした。
様々なクロスカルチャーな音楽が生まれて来たイギリスでは、新たなサウンドが受け入れられやすいイメージがあったが、実は真逆だったのだ。
日本では、ラジオ局は地域ごとに分かれていて、流れる曲のジャンルは番組ごとに違う傾向があるが、イギリスでは局単位でかなりジャンルが細かく決まっている。

「馴染みのある音」がイギリスの音楽シーンの隠れたキーワードなのだ。
スカやレゲエもスカパンクのように白人にも馴染みのある要素を交えたことで、より広まっていった歴史がある。

他とは違うものを提示したいと思ったら、何か少しでも馴染みのある要素を入れることで、それに付随した新しい要素を伝えることができるのかもしれない。

日本とイギリスの恋愛事情

テレビのNetflixでテラスハウス(英語の字幕付き)を観ていて、改めて日本の恋愛事情って特殊だなと気づいた。食、サービスをはじめとして色々な文化も特殊だが、恋愛事情ってパッと観光しただけではあまりわからない文化なので、この番組ではそれを海外に上手く伝えることができる。

イギリス人も一緒にハマっていて、彼らからはYOUもびっくりな辛口コメントが飛び交う。彼らにしてみたら小学生のようなピュアな恋愛を見ているようだという。

彼らには、まず告白というシステムを説明しなければいけない。直訳だとconfessionかな?

「日本人は、かしこまって好きですとコンフェッションしてからカップルになるというシステムがあって、それをKOKUHAKUというんだよねー」

自分で説明していてなんだかおかしくなってきたが、そもそも告白というシステム、どこから始まったんだ?考えれてみれば不自然極まりない。

欧米人の正式な「付き合いはじめ」は、デートを重ねたり連絡を取り合っていてもまだ「正式」ではないことが多い。

付き合う前に好きですと言うことはあまりないかもしれない。好きじゃなかったら何度もデートには誘わないでしょという暗黙のヒントがあるし、問題は単純に好きかどうかではないのだ。一緒にいて楽しいか、趣味や感性が合うか、アウトな行動はないか、何よりこの人と将来が見えるか(若いうちはそんなことどうでもいい時期もあるかも)、色々お試し期間という意味が多い。そして最終ステップを踏んだ後の展開で枝分かれする。急に冷たくなったらそれ目的だけだということ、逆にそこから一緒にいる時間が増えて友人や家族にパートナーとして紹介されて、初めて、正式に付き合っていると言えるのだ。

ただ、ストレートな欧米人たちにすらハードルが高い言葉がある。

“I love you”

これを初デートで言ったら、

「知り合ったばかりなのに私の何がわかってそんな口聞いてんの!?キモっ」で終了。

3回目のデートでも、5回目でもまだ早い。

じゃあいつ言うものなの?と(自称)経験豊富な旦那に聞いてみると、「それはmillion dollar question  だねー」と。つまり正解はない。付き合い始めて3ヶ月で結婚を決めるカップルもいれば、10年付き合ってから結婚するカップルもいるのと同じで、それぞれの状況や相性によって変わってくるのだ。

そう、I love youは「僕(私)と結婚してください」ばりに重い言葉。

そして、男女どちらから先に言うかでもプライド争いの種になる。

そこを一度クリアすれば、挨拶がわりのように毎日交わす言葉になるのだが。

話は変わるが、前回の一時帰国中にふとテレビで「逃げ恥」を観た。

唖然としてしまった。

やっぱり日本の恋愛事情は特殊だよなぁ。

 

 

 

 

 

 

 

 

 

歌の解剖学

最近ハマっている本。

Anatomy of a Song

歌の解剖学、とでも訳せるこの本は、誰もが知っている数々の名曲がどのようにして作られたのか、作家やアーティスト、セッションミュージシャンへのインタビュー形式で綴られている。

それぞれ短編小説を読んでいるようなドラマがあって非常に興味深い。

Joni Mitchellが彼氏(Graham Nash、60年代から活躍していたフォーク歌手)と別れた直後、傷心旅行で行ったギリシャで出会った男性とのことを歌った”Carey”(そしてその後歴史に残る名作アルバム、Blueが発表されることになる)や、Janis Joplinが友人たちとダイナーで食事しながら作ったというMercedes Benz (この曲の正式なレコーディングを待たずに彼女はヘロインオーバードースで帰らぬ人となってしまった為、残っているテイクは他の曲のレコーディングの空き時間の鼻歌バージョン)、教会の活動資金を集める為にゴスペル歌手が作ったのがのちの大ヒットになった”Oh Happy Day”、ポップソング形式にとことん反発して作られたLed Zeppelinの”Whole Lotta Love”(でもシンプルなギターリフは色々な楽曲からインスパイアーされている)など。さらにそれらの曲の元ネタを検索することで、ポップソングの歴史の勉強にもなっている。

これらのストーリーを読んでいて、それぞれの名曲が生まれた背景には共通点があることに気づいた。

一つは、実は完全なオリジナリティというものは多くの場合存在せず、みんな何かしらの既存曲に影響を受けているということ。ギターリフなどの元ネタを調べてみると、ほんとだ同じじゃん、と若干がっかりすると同時に、インスピレーションは色々な所にあるんだなぁと希望も見えた。ポップソングの根っこをたどっていくと、ブルーズやゴスペルなど、アメリカの黒人ルーツ音楽の影響が濃い印象だ。

そして、作家本人はまさかヒットになるとは思わなかったという場合が多い。

スタジオでセッションしていく中で曲の軸になるようなイントロやリフが出来たり(スタンドバイミーのイントロなど)、アンプに寄りかかって偶然フィードバックを発見したり、テープのオーバーダビングで偶然いいかんじのディレイが出来たり、偶然の発見が多いというのも共通点だ。

サイエンスのように、 実験を繰り返していく中で、意図していないふとしたときに大発見があるのかもしれない。

 

 

30代でわかってきた3つのこと

誕生日。20代から30代になる時はなんだかソワソワしていたが、30代はとにかく楽しくてしょうがない。
20代の変なプライドや焦りもなくなり、自分と落ち着いて向き合えるようになったせいか、ゆとりが出てきた。(ゆとり世代ではない)。
ゆとりが出ると、まわりをもっと俯瞰して見れるようになる。
そうやってわかってきたことが3つある。
ひとつめは、人生に勝ち負けや順位はないからこそ、とにかく楽しんだ者勝ちということ。
2つ目は、他人にどう思われているか、人の目を気にしないことの潔さ。
なぜかというと人はみんな自分のことに精一杯で、実は他人のことは何も見えていないからだ。
他人のことが見えていないからこそ、陰口や批判を口にする。
どんな事情があって、どんな心境で、真実はどんな状況にいるのか。それが見えていたら悪口なんて言えない。
そこまで見透かせるのは、本当にごくわずかな親しい友人やパートナーだけだ。
それ以外はみんな自分のことで精一杯で、他人のことなんて少しも見えていない。それは理にかなっているし、決して悪いことではない。
だから『人の目』なんて本当は存在しない。『人の盲目』が虚像を映しているだけだ。

3つめは、このブログでもよく書いてきたことだが、愛を込めることの大切さ。歌はもちろんのこと、料理でも、何をするにしても、人との接し方でも、『愛』ということばを思い浮かべるだけで魔法がかかる。

マザーテレサやガンジーのようにはとうていなれないが、ひとりひとりの、日々の小さな愛の心がけが、大きなものになっていくと信じている。
このまま30代も切磋琢磨しながら、楽しく駆け抜けていきたい。

イギリスでは何歳からが成人?

日頃からイギリスの愚痴を言ってばかりいる気がするが、そんなイギリスでもこれはいいなと思うところがある。

それは、子供を子供扱いしないという教育方針。

アメリカに住んでいた頃、yuck(y)(ばっちい)やyummy(おいちい)などの赤ちゃん言葉をよく耳にしたが、イギリスではそれらの言葉をあまり聞かない。子供の頃からわりと大人と同じ口調で教育されている。

街中で見かける子供は大人のようにしっかりと話し、”please”や”thank you”なども親が口酸っぱく教え込んでいる印象だ。

そのせいか、イギリス人は子供の頃から大人と対等に話す習慣がつき、コミュニケーション能力も早くから発達する。

考えてみれば当然、子供や大人関係なく、単純に生まれた時から人間ということは変わらない。

(もちろん同じイギリス人でも親の教育の仕方には大きく差があるが)

2007年に18歳に引き上げられるまで、イギリスでは16歳からタバコの購入が合法で、日本では考えられないが、高校にれっきとした喫煙所があり、そこが交流の場になっていたという。

日本から高校留学した友人たちは、みんなそうやって『タバコ仲間』から友達を作っていったと聞いたことがある。

18歳で少年法適用外(ただし、18歳以上21歳未満の者に対しても、青少年犯罪者教育施設への拘置など、成人と違う処置が施される場合あり、その他終身刑に関してなど条件あり)、選挙権、飲酒がオッケーになるので、日本でいう法的な成人はイギリスでは18歳が近いようだ。アメリカでは21歳から飲酒が合法になるので、21歳の誕生日を盛大に祝う。

その習慣を真似てかイギリスでもやはり21歳のバースデーは特別なイベントになる。

こう考えると『成人』の概念はお酒とも関係しているのかな?

何はともあれ、

新成人の方々、おめでとうございます。

Thinking outside the box

Abstract Expressionism(抽象表現主義)の話の流れで思ったこと。
今の楽曲の制作過程で一番大事なのは、型を崩していくこと。
どのアーティストもファーストアルバムが一番素のインパクトが強いのは、ある意味型が出来ていないからだ。
そこから色々な型にはまっていこうという方向に進んでいく。メジャーレーベルのアーティストだったら、とにかく売れるものを作ること。
ペインターだったら、より描写力を身につけること。それが崩れて爆発したものがAbstract Expressionism(抽象表現主義)だが、音楽では何だろう?ポストロックさえ、もともとは型からの脱皮だったのが今ではわりとメインストリームなジャンルになっている。
この崩す作業を個人的にとことんやっていかなければと思っている。
メロディーひとつにしても癖がついている。これが個性になるのだが、これも崩してみたい。
そして歌い方や声の使い方。声をサンプリングしたり、新たな発声法を試してみたり。
崩して削ぎ落として、その芯の部分を追求していきたい。
売れることを考えたらゲームオーバー。そこで終了だ。
英語でThink outside the boxという表現がある。まさに、型(箱)の外で考えてみるという表現だ。2017年の大きなテーマになる。

何がしたいか、より、何をしているか

年末に、Abstract Expressionism(抽象表現主義)のエキシビションを観てきた。マーク・ロスコやジャクソン・ポロックなどのアメリカ40年代以降の大きなムーブメントだ。
巨大なキャンバスの上で絵の具の質感が自由に展開され、色のインパクトがギャラリーの空間に浸透する。
これらの作品を観て、『何がしたいのか分からない』と感想を言う旦那。ルネサンス芸術やフェルメール、レンブラントなどのクラシカルな絵画を好む彼は、作品で表現されているものがはっきりしていないと、具体的に画家が何がしたいのか分からないと言う。
『何がしたいのか』じゃなくて『何をしているか』その行為そのものが大きなコンセプトなのだ。画家がアスリートだとしたら、その鍛錬の軌跡がキャンバスに表現されている。たった一本の線で僕にも描けるよと思っても、その線に行き着くまでには長い過程があることこそが、作品性の軸になっているのだ。
そんなことを彼に力説していたら、ふと『人生の目標』についても応用できるのではと思いはじめた。人生においても、大きな目標よりも、現在進行形の過程の大切さを見落としがちなのでは、と。
何をしたいか考えている暇があったら、とりあえず何かをすること。頭の中でいくら考えても何も行動に起こさなければ、何の影響力もない。

いまの自分にも言える。考えてばかりで頭でっかちになっていたり。

一つ一つの色の選別やブラシストロークのように、試行錯誤を重ねていくことそのものが、『活動』そのものなのだ。