Japanese Artist in the UK

(日本語に続く)

In the beginning of my music venture in the U.K, I came across a music lawyer who said

“No way you can succeed as a recording artist in the U.K; being a successful songwriter is already like climbing a steep mountain, but being a successful artist on your own right is like climbing up a cliff.”

He might have been practical, but those things only fire me up to prove him wrong.

During the 10+years working with labels, managements, and publishers in Japan, I’ve learned that (at least in Japan)the industry runs like a well made machine. Working as a songwriter is like being one of the essential parts of the machine, and making a hit would surely be a great fulfillment.

As a self-proclaimed artist, the dilemma between making something that you really want(to make)and something that has larger demand is unavoidable. Making a song based on an established model is the typical form of ‘industry’.

Isn’t art supposed to rebel to that very concept? This is another unavoidable question that I ask my self every single day. I can never say yes to that because as much as I want to make something outstanding, I want to deliver it to as many people as possible.

What I had been doing since I moved to the U.K to pursue my career in music (while all my friends were busy having babies and buying family homes), was relentlessly writing new songs, collecting insights from music industry people, collaborating with local producers, and simply living as a Japanese in a middle-class-white-people-with-pushchairs-and-dogs-dominated countryside town outside London.

That really changed my songwriting style. I began to write about my life, exactly how it is, without trying to appeal to the audience nor to hide honesty. It became clear to me that authenticity is the most unique and strongest viewpoint as an artist, even without trying to think of what has the biggest demand or what would appeal to most people.

Another aspect to consider is the sound; production can really make or break the song. I have so much faith in the creators I work with in Japan, and the aim is to introduce those talents to the U.K. Market as well.

But what I had come to realize was something unexpected. As a country that has spawned generations of multi-cultural artistry and music, I thought the U.K. Music scene would be more accepting to new sound…but all of the reactions suggested that my songs should have a clear sense of genre to suite a familiar format.(i.e. Radio stations)

Each radio stations here have a distinct genre and target demographics, whereas in Japan, a radio station is more based on an area/city (like Tokyo FM, FM Osaka) and the genre of music depends on each programme.

Familiarity might be a key to the British music culture, just like reggae and ska became more prevalent through ska-punk; you can introduce something new by combining a familiar element to the sound.

 

イギリスでの音楽活動の模索の始まりは、音楽弁護士のひとことへの反発だった。
「イギリスでアーティストとして成功したいなんて、無謀。
作家として音楽出版社と繋がり、楽曲提供できるようになるのは大きな山を登るようなことだが、レコーディングアーティストとして成功するのは断崖絶壁を登るようなことだ」と。

彼は現実的なことを言っていただけかもしれない。

作家として活動することは、大きな音楽産業の一部品として働くことだ。
優秀な作家はたくさんいるし、ヒットが生まれればとてもやり甲斐のある仕事だ。

作り手にとって、
求められているもの、需要があるもの
と自分が作りたいもの
とのギャップは避けて通れない葛藤だが、既に流行っているものをモデルにして、あえて需要があるものを作るのはまさに産業の典型だ。
芸術はそういうものにたいする反逆なのではないかと、アーティストのめんどくさいエゴの塊が主張しつつも、せっかく世に送り出すものだから、より多くの人に聴いてもらいたいというのも確かだ。

同世代の友人たちが子育てやマイホームの購入で忙しくしている中、イギリスに引っ越してきてからしてきたことは、ひたすら曲作り、音楽関係の人たちから話を聞くこと、現地のプロデューサーとセッションしてみたり、そしてロンドン郊外の中流階級白人たちがバギーと犬を引き連れるような長閑な田舎町で、日本人として生活することだった。

そんな生活の中で、曲作りのスタイルがかなり変わってきた。
背伸びしていた部分が等身大になり、内気に隠していたものが前に出てきた。誰に聴いてもらうとか以前に、ありのままを見せることが、何よりものオリジナリティだということに気づいたのだ。

曲にとって大切なのは、サウンドだ。アレンジによって、曲が活きてくることもあるし、台無しになることもある。日本で一緒に制作しているチームには絶大な信頼をおいていて、彼らの才能を紹介することは一つの目標だ。

しかし実際にこちらに来て、予想外の事実を目の当たりにした。
様々なクロスカルチャーな音楽が生まれて来たイギリスでは、新たなサウンドが受け入れられやすいイメージがあったが、実は真逆だったのだ。
日本では、ラジオ局は地域ごとに分かれていて、流れる曲のジャンルは番組ごとに違う傾向があるが、イギリスでは局単位でかなりジャンルが細かく決まっている。

「馴染みのある音」がイギリスの音楽シーンの隠れたキーワードなのだ。
スカやレゲエもスカパンクのように白人にも馴染みのある要素を交えたことで、より広まっていった歴史がある。

他とは違うものを提示したいと思ったら、何か少しでも馴染みのある要素を入れることで、それに付随した新しい要素を伝えることができるのかもしれない。

歌の解剖学

最近ハマっている本。

Anatomy of a Song

歌の解剖学、とでも訳せるこの本は、誰もが知っている数々の名曲がどのようにして作られたのか、作家やアーティスト、セッションミュージシャンへのインタビュー形式で綴られている。

それぞれ短編小説を読んでいるようなドラマがあって非常に興味深い。

Joni Mitchellが彼氏(Graham Nash、60年代から活躍していたフォーク歌手)と別れた直後、傷心旅行で行ったギリシャで出会った男性とのことを歌った”Carey”(そしてその後歴史に残る名作アルバム、Blueが発表されることになる)や、Janis Joplinが友人たちとダイナーで食事しながら作ったというMercedes Benz (この曲の正式なレコーディングを待たずに彼女はヘロインオーバードースで帰らぬ人となってしまった為、残っているテイクは他の曲のレコーディングの空き時間の鼻歌バージョン)、教会の活動資金を集める為にゴスペル歌手が作ったのがのちの大ヒットになった”Oh Happy Day”、ポップソング形式にとことん反発して作られたLed Zeppelinの”Whole Lotta Love”(でもシンプルなギターリフは色々な楽曲からインスパイアーされている)など。さらにそれらの曲の元ネタを検索することで、ポップソングの歴史の勉強にもなっている。

これらのストーリーを読んでいて、それぞれの名曲が生まれた背景には共通点があることに気づいた。

一つは、実は完全なオリジナリティというものは多くの場合存在せず、みんな何かしらの既存曲に影響を受けているということ。ギターリフなどの元ネタを調べてみると、ほんとだ同じじゃん、と若干がっかりすると同時に、インスピレーションは色々な所にあるんだなぁと希望も見えた。ポップソングの根っこをたどっていくと、ブルーズやゴスペルなど、アメリカの黒人ルーツ音楽の影響が濃い印象だ。

そして、作家本人はまさかヒットになるとは思わなかったという場合が多い。

スタジオでセッションしていく中で曲の軸になるようなイントロやリフが出来たり(スタンドバイミーのイントロなど)、アンプに寄りかかって偶然フィードバックを発見したり、テープのオーバーダビングで偶然いいかんじのディレイが出来たり、偶然の発見が多いというのも共通点だ。

サイエンスのように、 実験を繰り返していく中で、意図していないふとしたときに大発見があるのかもしれない。

 

 

Thinking outside the box

Abstract Expressionism(抽象表現主義)の話の流れで思ったこと。
今の楽曲の制作過程で一番大事なのは、型を崩していくこと。
どのアーティストもファーストアルバムが一番素のインパクトが強いのは、ある意味型が出来ていないからだ。
そこから色々な型にはまっていこうという方向に進んでいく。メジャーレーベルのアーティストだったら、とにかく売れるものを作ること。
ペインターだったら、より描写力を身につけること。それが崩れて爆発したものがAbstract Expressionism(抽象表現主義)だが、音楽では何だろう?ポストロックさえ、もともとは型からの脱皮だったのが今ではわりとメインストリームなジャンルになっている。
この崩す作業を個人的にとことんやっていかなければと思っている。
メロディーひとつにしても癖がついている。これが個性になるのだが、これも崩してみたい。
そして歌い方や声の使い方。声をサンプリングしたり、新たな発声法を試してみたり。
崩して削ぎ落として、その芯の部分を追求していきたい。
売れることを考えたらゲームオーバー。そこで終了だ。
英語でThink outside the boxという表現がある。まさに、型(箱)の外で考えてみるという表現だ。2017年の大きなテーマになる。

2016年を振り返って

2016年もあと1日。

今年は個人的にも、世界的にも、大きな分岐点となる年だったように思う。

 

個人的には、今年はイギリス移住という大きな変化があった。

イギリスに来れて本当に良かった。私が長年抱えていた課題は、自分の音楽の可能性に挑戦するということだった。独立して活動を初めて以来、暗中模索状態だったが、暗い中手を伸ばしてみたらすぐに壁があった。それは心地良い温室のような壁でもあったが、それ以上広げる必要があると感じた。決して日本の音楽業界や環境を否定しているわけではない。そして何度も戻って来たい場所でもある。ただ外を見てみたかった。

移住してからは、様々なかたちでイギリスの音楽業界の社会勉強ができて、今までしたことのなかったトレーニング、オーディション、コラボなど、貴重な体験ができた。この半年間で、スイス、フランス、マルタ、ドイツ、ロシア、オーストリアと、多くのヨーロッパの国々を巡ることができた。

すぐに進むと思っていたイギリスでの音源リリースは、思ったよりも時間がかかってしまったが、これもまた新たな環境への期待値を下げるという過程が必要なのだろう。

12月の日本&中国ツアーは、そんな私のやさぐれた心を癒してくれた。何年も変わらず温かく迎えてくれるお客さん。神対応でサポートしてくれるスタッフ、ミュージシャン、まわりの方々。電車がスムーズに動いていてコンビニでおでんが食べられるという日本そのものの暮らしにも、全てに小さな感激が溢れた。こんな最高な人たちに、イギリスで日本人のシンガーソングライターとしてパイオニアになれるように成功して、良い報告をしたい、それしかない。

世界的には、やはりイギリスとアメリカの政治的な分岐点が大きかった。

国民投票の声は、とにかく大きな変化を求めていたのだろう。その変化の矛先が、明るい方向に向いていることを願うが、もしかしたら、この先また歴史を繰り返すようなことがあるかもしれない。そんな中で、一人一人が、愛を忘れないこと。(なんだか最近愛のことばかり書いている気がするが)身近にできることで、大きな影響力があることだ。

この文章を読んで下さっているあなたへ、沢山の愛と幸運を贈ります!

どうぞ良いお年をお迎えください。




 

 

 

 

感激したこと

何でもイギリスと比べてしまうのも良くないが、いや、良いことかも、日本の良さを改めてこうやって噛みしめるのも。

駅のチケット売り場の列に沿って椅子置いてくれて、なおかつ並んでいる人に係の人が用件を訊いてまわり券売機でもできることだったら一緒に券売機まで行き操作の仕方を説明してくれる。。

イギリスだったら、長蛇の列、空いてるカウンター1つ、他の従業員みんな紅茶飲みながら世間話、というところ。

日本のサービスレベルは間違いなく世界一。

そしてファンの方レベルも世界最強。みんな優しい、毎回来て下さる馴染みの顔ぶれ、そして洗練された雰囲気、、なんて素晴らしい国に生まれたんだ。最高じゃないか!

と、この数日間のライブで実感しているのだが、更には恐縮なことにみなさんこのブログを読みながら私の心配をして下さっているようだ。

私はあくまでも備忘録として、現地レポートとして書いているので、苦労している気は全くないが、もしかしたらそういう印象を与えてしまっているのかも。たとえまだ軌道に乗るまでの準備段階としても、今の私にとって日本で変わりなく迎えてくれるお客さんがいることはこの上ない幸せだ。

ちなみに今回のライブで選曲した開場時BGMはこちら:

Lily Allen-Somewhere Only We Know

Laura Mvula-kiss my feet/show me love

Laura Marling-Soothing

Katie Melua-River/perfect world/dreams in fire

こちらはBBCのSound of 2017で気になったアーティスト。

Ray Blk-My Hood

Declan McKenna-paracetamol

 

 

歴史と気品溢れるスタジオ

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そのスタジオは、ロンドン北部の閑静な住宅街にあった。

イギリスの家は、築30年で若い方。300歳にもなる老舗物件がゴロゴロあり、それぞれの歴史と伝統を物語る。

この家は、エドワーディアン時代(1900年〜1910年頃)のスタイルを誇る、高い天井、大きな窓と木造の美しい建物。代々受け継がれて来たというこの家は、クラシック音楽好きの家主によって音楽スタジオとして貸し出されている。

リハーサル、撮影、レコーディング、ライブまで、幅広く使える施設として、ミュージシャンたちに愛されている様子が家の端々から伝わって来た。

フルコンサイズのグランドピアノからは、重厚な音が鳴る。普段キーボードで練習しているので、久々に生ピアノを触る。

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今回は、リリース予定のEPの楽曲達をピアノ弾き語りで録音するという撮影だった。カメラアングルを何パターンか変えて、3曲の曲たちを何度か録音していく。

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だんだんと感情移入していく中で、このピアノと空間に溶け込んでいけるような、贅沢な時間だった。こんな場所をリハスタとして使えるなんて、やっぱりロンドンは最高だ。

音楽活動、どんなかんじ?

色々と模索してきているイギリスでの音楽活動。

今どうなっているのか?

当初の予定は、4月にイギリスに引っ越して来たので、夏前にはファーストシングルをセルフリリースする予定だった。

それが、PR会社から協力してくれるとの返事をもらうまで1ヶ月かかり、最初のミーティングに漕ぎ着けるまで更に1ヶ月、その後音楽ライターとの取材をセッティングするのになんと3ヶ月。ちょうど夏休みのシーズンだったというのもあるが、3週間ホリデー行くから、としれっと延期されるのは日本では馴染みのない常識だ。

そして9月。この時期は年間でも最もリリースが多い時期らしく、他のリリースに紛れてしまうのももったいないので11月にしようということになり、それまでにシングルのミュージックビデオを完成させる予定が、直前に出来上がったビデオを大幅に編集し直す必要が出てきて、更に延期←今ココ。

という状況だ。

渡英してからずっと自分の音楽活動の相談に乗ってくれている、長年ロンドンでマネジメントをされているA氏は、中途半端な作品の発表が意味がないとはっきり言ってくれている。曲の良さを信じてくれているからこそ、それに見合ったミュージックビデオと、リリースのタイミングを、とこだわりがあるからこその延期。この感覚、はじめてロンドンの美大にポートフォリオを持っていった時の体験に似ている。初めて持って行ったとき、作品のポテンシャルは認めてくれた上で、更に作品作りを追求してから数ヶ月後もう一度来なさいと言われた。(それは日本での留学フェアだったのでわざわざ渡航する必要はなかったのだが、二度目の面接では快く合格を認めてくれた。)作品にかける時間、こだわり、完成度…出来た作品そのものよりも、繰り返し追求し続けるプロセスの大切さを教えてくれた。17歳の自分にはまだハッキリ分からなかったが、今の状況ではものすごく分かる。何でも、そう簡単には達成できないもの。少しチャレンジして諦めるぐらいだったら、初めから挑戦の意味もない。

 

そうやって試行錯誤している間にできることとして一番大切だと思ったのが、コンテンツづくり。

ミュージックビデオをはじめ、新曲はもちろんのこと、リミックスを頼んだり、新たなクリエイターとコラボしてみたり、、とにかくいざというときに発表出来る素材を沢山作っておきたい。

先日は、リリース予定のEP曲たちをアコースティック録音してきた。

場所は、閑静な住宅地にあるハウススタジオ。ここが素晴らしく良い環境のスタジオだった。(つづく)

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初めてのミュージカル楽曲制作

ニューヨークのブロードウェイと並んで、ロンドンではミュージカル、演劇の劇場が沢山見られる。

演劇文化自体はアメリカが誕生するずっと前までさかのぼり、演出はアメリカの派手さに比べてイギリスの演劇は言葉遊びや哲学的なところまで深く追求する傾向がある。

ロンドンに来てからもいくつかのミュージカルを観たが、中でもマチルダは最高に素晴らしかった。6歳の女の子の不思議な才能がテーマなのだが、その子の健気な演技と、ステージセットを巧妙に使った演出、歌も含めてイギリスならではの人間の内面に向かったストーリーテリングだった。

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キンキーブーツは、田舎の経営困難に陥った靴工場が、ひょんなことからドラグクイーン向けのド派手で挑発的(kinky)なブーツを作ることになる、というコメディーだ。これも、ただのエンターテイメントとしてのドラグクイーンショーではなく、人間模様を軸として、人それぞれありのままの趣味趣向を受け入れるというメッセージを伝えてくれた。何よりも素晴らしいのがシンディ•ローパーが手がける音楽。彼女の音楽には不思議と心の芯の部分をワクワクさせてくれる力があり、Time After Timeなどの数曲しか知らなかったが、これを機にもっと聴いてみたいと思った。

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自分もいつかはミュージカルの楽曲を作ってみたい、と思っていた矢先に、ボイトレコーチの方がミュージカルを演出されるとのことで、その楽曲制作の話をいただいた。ストーリーは、日本の物語、赤い蝋燭と人魚。子供の頃に聴いたことがある、悲しく怖さもある物語。イギリスの観客に向けてどんな演出が成されるのか、興味深い企画だ。

楽曲は、脚本をいただいてからイメージを膨らませていく。ミュージカルということでより展開をカラフルに、ドラマチックにできる。今回は劇中の3曲を提供している。

オープニングナイトでは、評論家からも好評なレビューをもらったというこの演劇。もともと地下鉄が掘られた場所だったという、螺旋階段を下った大きな筒状の劇場で、シンプルながら細部までこだわった演出と、パフォーマンスの起伏が印象的だった。イギリス人にも理解し易い説明を加えつつ、日本らしさも十分に盛り込まれた英語版、The Red Candle-Mermaids in the East-は今月20まで公演されているので、ロンドンにお住まいや旅行でいらっしゃる方はぜひ。

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現地アーティストとのセッションPart3~思いがけないりえふーファン~

昨年、ロンドンで活動をされている某日本人ギタリストの方のライブを拝見する機会があった。

ライブのアフターパーティーでドレッドの黒人のお兄ちゃんが『アーユーりえふー?』と話しかけてくれた。

日本でもそんなことなんて全然ないのに、ロンドンで、しかも見た目もいかにも日本のアニメ好きの風貌ではない方に声をかけられるとは、驚きだった。

聞いてみるとドラゴンボールを観て育ったそうで、その世代では日本のアニメが『オタク』なジャンルではなくユースカルチャーの一部になっているという。

私がエンディングテーマを担当していたガンダムやブリーチも大好きだそうで、それらのアニメを通して私の音楽を知ってくれていたという。

顔まで認識してくれるとは結構知ってくれているほうだ。

イタリア人のハーフだという彼は、イタリアとロンドンで音楽活動をしているという。送ってくれた音源はアーバンでセンスのいい音だった。私がイギリスに引っ越したタイミングでコラボしよう、ということになった。

北西ロンドンにある彼の自宅スタジオを訪ねると、家の裏庭に作られた可愛らしい手作りの小屋だった。機材も自分たちで集めてきたという。

彼の友人のトラックメイカーと3人で、ビートとコードに合わせてメロディーを作ってみる。

地元の音楽好きが集まってよくセッションしているようで、友人と集まって遊ぶ延長で純粋に音楽作りを楽しんでいるバイブス(あえてこの言葉を使わせていただく)が伝わってきた。img_6956

 

現地ミュージシャンとのセッションPart.1~ビートメーカー~

音楽の化学反応は面白い。決まった公式もないから、どんなものができるか予想出来ない面白さがある

違うジャンルだからといって必ずしも合わないこともないので、可能性に制限を設けない柔軟な発想が大切だ。

こういった音楽のコラボでつくづく思うのが、最終的には『人』の相性だということ。

本当に単純に『いい人~』という人とはコラボが楽しい。

そして日本の音楽業界で観察してきても、レーベルのディレクターがまた仕事を頼みたいと思う人は、純粋に人柄の相性という場合が多いのだ。もちろん作品ありきだが、人柄を含めた姿勢、大切にしているもの、などは驚くほど素直に音に出るのだ。

昨年の10月、ロンドンでとあるプロデューサーと知り合う機会を得た。カセル•ザ•ビートメーカーという、ストリートカルチャーに身近なアーバンミュージックに関わっているドラマーで、名誉あるアワード、Ivor Novello Awardsも受賞したソングライターでもあるのだ。

ヒップホップノリの怖い人を想像していたのだが、実際に会ってみると真面目で物静かな姿勢だった。一緒にツアーしているというラッパーのスタジオを使わせてもらって、そこで2日間で3曲も一緒に曲を書き上げた。

ここで、共作ってどうやるの?

を少し説明する。大きく分けて2つある。

①一番オーソドックスなのは、ギターやピアノなどの楽器を前にして、コードやリフをポロポロ、でAメロ、Bメロ、サビ→じゃあDメロ何にする?という風にアイディア交換しながら歌謡曲のフォーマットに当てはめていく。もちろんフォーマットはあくまでもガイドなので、あえてフォーマットなんて崩していこうというのもアリだ。

②特に最近のダンスミュージックに多く見られるのが、トラック+メロディーの作り方。こちらの記事でも説明しているが、プロデューサがカラオケトラック(たいてい4コードの繰り返し、サビは盛り上がりを期待させるブレイクの後でAメロと同じコードでアレンジを大げさに盛り上げる)を作り、歌い手や他の作家が主メロ(トップラインともいう)をそれにつけていくという手法だ。

カセル氏との曲の共作作業はこの①と②を合わせたような方法で進んでいった。さすがドラマー、ビートとピアノのコードでトラックを作って用意してくれていたので、それにボーカルメロディーのアイディアを出していく。歌詞は、テーマを意識してメロディーと同時に作っていく。

ここでスタジオアシスタントのボブマリー的な男の子が遊びでラップをし出したので、それいいじゃん!ということで急きょラップ入りの曲にすることに。

ベーシストと一緒にDメロの展開も付け足していく。

完成したものは、自分の曲では今迄になかったような予想外のものができた。まさに違ったジャンルとのコラボの醍醐味だ。

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